Ensayo comparativo "Eterno resplandor de una mente sin recuerdos" y Lo recordaremos por usted perfectamente

            La película Eterno resplandor de una mente sin recuerdos dirigida por Michel Grondy estrenada en el año 2004, se caracteriza especialmente por su género de ciencia ficción, su visión romántica y dramática. En cambio, el cuento “Lo recordaremos por usted perfectamente” del autor Philip Kindred Dick es un relato del un único género, ciencia ficción, publicado en abril del año 1966.

            La película se resume en que un joven llamado Joel se enamora de una muchacha de nombre Clementine, quien luego de pasar un año de novios, Joel se encuentra con que ella había decidido borrarlo de su memoria. Este no sabe el por qué y decide también borrarla, pero en el transcurso del mismo, se arrepiente. El texto “Lo recordaremos por usted perfectamente” se basa en que un agente interplanetario viaja a Marte y luego por cuestiones de seguridad le borran la memoria y le implantan una falsa. A partir de este suceso, Douglas Quid fantasea y se obsesiona con viajar a Marte en algún momento.

            En este ensayo se analizaran los aspectos de la caracterización de los personajes, el análisis de tiempo narrativo, elementos fantásticos y la focalización, es decir, el punto de vista narrativo.

            En primer lugar, en el texto, la descripción de Douglas Quid es ambigua, ya que no tenemos idea de cómo es el personaje, sólo es representado como un hombre con intensos intereses por viajar a Marte por algún motivo que él aún no lo sabe, su viaje como agente del interplan. También aparecen su mujer Kristen, y el Sr. Mc Clane, quien fue el encargado de borrarle la memoria e implantarle una falsa. En cambio, en la película, nos encontramos con Joel Barish, quien es una persona muy tímida, con dificultad para establecer contacto social con el otro. A diferencia de Joel, Clementine Kruczynski, es una muchacha con personalidad impulsiva y extrovertida. Su color de pelo va variando según el ánimo de ella o como se siente frente a la vida, “Me aplico la personalidad en pasta” menciona Clementine durante la película. Ella constantemente remarca indirectamente que le molesta ser un concepto. Es una chica que busca ser amada por lo que es y no por lo que los demás quieren que sea. Luego se encuentran el Dr. Mierzwiak y su equipo Patrick, Mary y Stan.

            Otro tema a tratar es el análisis del tiempo narrativo. La película está narrada en forma compleja, es una serie de partes que pasan en diferentes escenas y lo tenemos que ir “armando” como espectadores, muchas veces uno se pierde junto con el protagonista y cae en la misma confusión. Contiene el efecto flash back, es decir, idas y vueltas todo el tiempo. Hay una gran confusión con ella en la mente de el. Lo que busca el director es jugar con el doble en el presente y en el pasado, esto de ir y venir constantemente trata de confundir y poner al espectador en el lugar de los protagonistas que de repente no saben si lo que recuerdan es real o fantástico. El punto de partida que se escogió para contar la historia es justamente el inicio del final, que incluso confunde al avanzar la historia. Es una película que mezcla la realidad espacial-temporal y la realidad psíquica de sus personajes. El juego entre tiempo y lugar es constante por eso se busca un espectador capaz de ir sacando elementos que le permitan ir construyendo la historia para poder entenderla. Es una película que no cuenta con una estructura lineal, ya que no tiene un orden lógico. Hay un yo que habla en el presente y hay un yo q es recordado u olvidado. La película es un claro ejemplo de cómo funciona el poder en la memoria de las personas haciéndole perder la identidad y construyendo una identidad falsa. Totalmente lo contrario pasa en Lo recordaremos por usted perfectamente, allí no hay cambio te tiempo narrativo, aunque sea un texto. Si bien aquí no hay un juego de tiempos, Philip K. Dick hace presencia y le da constante importancia a los pensamientos de los personajes. Hay momentos, como en los que nos cuenta sus pensamientos, que esta narrado en primera persona. Por ejemplo, cuando nos muestra que los agentes del gobierno pueden escuchar el pensamiento de Douglas y llegan a un punto en el que se comunican mediante los pensamientos. Este texto lleva hasta la obsesión el tema de la falta de veracidad comprobable de la realidad, la subjetividad y la imposibilidad de comunicar nuestras sensaciones sin sospechar de la improbabilidad o de la consistencia de los otros. 

            Tanto en la película como en el texto, instalan la presencia de la construcción de la identidad a partir de la memoria es otro tema para analizar. En ambas, su temática entronca con la imposibilidad de distinguir la realidad de la ficción. La posibilidad de alterar los recuerdos, aparece como algo cotidiano y como una simple actividad empresarial. En cuanto a la película, la escena del proceso de borrado de memoria, Joel se arrepiente de su decisión y decide escapar con Clementine dentro de sus recuerdos para no olvidarla. Este es un film realizado en montaje, ya que está contada en múltiples saltos de tiempos, lo que el director usa para aplicar bruscas e inesperadas elipsis que confunden. En el texto, sólo aparece ese recuerdo borroso de ver conocido el nombre “REKAL INCORPORATED” y luego de incorporar la falsa memoria, esa confusión de Douglas de no saber si viajó o no a Marte como un agente o si fue de viaje Inter espacial.
             La focalización desde el punto de vista narrativo es otro de los temas. El constante doble en el tiempo. Ser yo ahora, quién fui, según mi memoria o la memoria de quién, quién me implanto el que soy que no soy realmente yo. Todo un problema de identidad muy importante que tiene q ver con la memoria. Es en ese momento cuando como espectadores o lectores, nos convertimos de cierta forma en narradores, porque somos nosotros quienes construimos la historia según cómo la percibimos y entendemos. En el texto el punto de vista siempre es desde Douglas Quid, ya que es el personaje principal. Esta siempre relatando su vida y los sucesos que le van ocurriendo a medida que transita la historia. En la película, como claramente se puede observar, la gran mayoría del tiempo esta realizada desde el punto de vista se ve desde el personaje principal, ya que hay momentos donde nos metemos dentro de su cerebro, de sus recuerdos con Clementine. Nos lleva a través de lo que esta pasando y nosotros y él tenemos las mismas vivencias. Pero en ésta hay dos tipos de focalizaciones. Encontramos una muy clara focalización interna es cuando Joel esta en el tren dibujando a Clementine, quien se encuentra frente a él. Solo vemos sus manos y su cuaderno de dibujo pero lo que vemos es exactamente lo que él esta viendo y lo vemos al mismo tiempo que el. El espectador y Joel saben lo mismo y al mismo tiempo. El punto de vista tiene mucho que ver con el lugar donde esta puesta la cámara.

            Un último elemento es el fantástico. Este se basa en un texto y película de ciencia ficción donde hay algo que permite el borrado de los recuerdos de las personas. Es ese tiempo del ahora hacia el futuro que pasa  permite el avance de tecnologías avanzadas que tienen el poder de por ejemplo, en este caso, poder borrar la memoria o simples recuerdos de la gente que desee borrarlos o hasta implantarles una nueva

            En conclusión, el texto de Dick, se basa en los aspectos más políticos y relacionados con el poder y la película mezcla más el amor. Ambos tienen q ver con el doble que tiene que ver con la memoria y el tiempo. “Eterno resplandor de una mente sin recuerdos” es una película no lineal, no cronológica,  que hace uso de elementos narrativos que juegan con el tiempo y el espacio para contar la historia. La película es aquella la cual es fundamental el montaje, el narrador y el espectador no cambiar roles pero el espectador tiene un rol activo que lo hace ir conectando la historia. Al ser una película pretende entretener y además entregar un mensaje a su público, mensaje que dependerá de cómo cada uno interprete lo que se quiso entregar. Como conclusión se puede decir que tanto el texto como la película nos hace entender que los recuerdos forman parte de nosotros mismos y como afectan a nuestra vida.

Ensayo comparativo entre El extraño caso de Dr. Jeckyll y Mr. Hyde y Mary Reilly

La película Mary Reilly e Stephen Frears estrenada en el año 1996, se caracteriza especialmente por su visión romántica de la novela de Stevenson ya que su conflicto se da en relación con el amor. En cambio, la novela El extraño caso de Dr. Jeckyll y Mr. Hyde de R. L. Stevenson, es un relato que no se puede encasillar en ningún movimiento ni género, aunque sí podríamos decir que es una novela que combina diferentes subgéneros literarios, como el policial, la alegoría, la ciencia ficción, el fantástico, entre otros.

En este ensayo se analizará la caracterización del personaje de Hyde en relación con el espacio y la mirada de los otros personajes.

En primer lugar, en la película, la descripción de Hyde es ambigua, ya que no tenemos idea de cómo es el personaje, solo es representado como un ser maligno y monstruoso. El cine mata esa ambigüedad y tiene una mirada más psicoanalista. En cambio, en la novela te describe distintos procedimientos a través de la palabra, metáforas, comparaciones, focalización y campos semánticos de la oscuridad. Por ejemplo, en el momento que describen el espacio y a Hyde lo comparan con Satán, el demonio, y que no hay descripción exacta porque tiene que ver con lo innombrable. Hyde es aquello que no se conoce, lo inefable que no tiene vocabulario exacto para ser descrito. Mientras que en la película, el campo semántico de la oscuridad y la ambigüedad se refleja en la casa. Ese contraste con el pelo rojo y las puertas rojas (semicerradas y semiabiertas) anticipan la aparición de lo sobrenatural. Hyde aún no se presenta para generar un suspenso con esos espacios.

Otro tema a tratar es el clima, que se relaciona con el tema anterior. En la escena del matadero, en la novela, no se caracteriza tanto como en la película. En Mary Reilly se ve que es pleno día, no hay oscuridad pero aún así está todo nublado y con neblina. Los cortes de sangre de las reces anticipan el desgarro de la carne, que al final se verá en la transformación de Hyde en Jeckyll. Ese desgarro de salir en el cuerpo del otro, de alguna manera anticipa el nacimiento de otro ser. Inclusive se ven imágenes que semejan genitales de los cortes de carne, que tiene que ver con toda la sexualidad reprimida de Mary Reilly pero también de esa época victoriana de la que se habla.

La focalización de la novela y la película es otro de los temas. En la novela hay tres tipos de focalización estructurada con la mirada de afuera hacia adentro. Hay un enigma que se ubica en el centro, que es la intimidad de Jeckyll, lo último que se muestra. Lo primero que aparece es la mirada de Utterson, va desde lo más exterior. Es la mirada del amigo, la mirada testigo que no sabe absolutamente todo lo que pasa. Está contado en 3ra persona ya que Utterson no habla. Asume el punto de vista del primer personaje, por eso es una mirada “externa”. Es un personaje que observa una situación y sabe menos que el personaje principal. Él está entrando en la historia junto con el lector.

La 2da focalización es la de Lanyon que narra en 1ra persona testigo. Es una mirada externa en la que se muestra lo que le pasa a Jeckyll y muestra la transformación de Hyde en éste.

Una última mirada es la de Jeckyll, que es interna, una vez que sabe lo mismo que el personaje y cuenta qué es lo que le pasó. Jekyll devela el enigma. Por eso decimos que va de lo exterior a lo más íntimo que es la mirada de Jekyll y cuando confiesa su delito.

En cambio, en la película, siempre está la mirada testigo. Mientras que en la novela el protagonista es Jekyll y Hyde, en la película es Mary Reilly. En el título está explícito quiénes son los protagonistas. Aquí se muestra lo que siente ella, la lucha exterior o en físico todo lo que sufre Jekyll y Hyde, con todo lo humano que tiene ella. La película se construye a través del paralelismo.

El paralelismo más notorio es la figura del padre con Jekyll y Hyde, especialmente la de Hyde. Se usan las mismas palabras para describirlos y entre ellos también las usan, cuando dice “La ira  sube como la marea” Mary Reilly se da cuenta de que Hyde es Jekyll.

La película también instala la presencia del amor. En el libro Hyde se suicida por miedo. Cuando en la película se suicida por amor. De alguna manera, no quiere seguir haciéndole daño a ella y por lo tanto aparece esa figura romántica de la mujer como salvadora y como la que va a redimir los pecados del hombre.

Un último tema es el de los géneros. La novela tiene esa mezcla de realismo y romanticismo. La alegoría, que es algo que se expresa simbólicamente como la fuerza entre el bien y el mal y representa una gran metáfora. Es simbólico porque todos tenemos esa lucha interior y se representa de esta manera en Dr. Jekyll y Mr. Hyde. Otro género es el de la ciencia ficción porque es el poder transformarse en otra persona. La droga llevada a su máxima explosión que es esta metamorfosis física y moral. También es fantástico porque habla de los dobles y de las personalidades divididas que son irreales. Finalmente, es una novela gótica porque se desarrolla el misterio y tiene un ambiente gótico porque lo prohibido se esconde en lo oscuro.

En conclusión, la comparación entre la película y la novela se podría resumir en que a Hyde, en la novela, se lo ve y describe siempre como un ser maligno mientras que en la película es muy ambigua su descripción, ya que es un ser innombrable comparado con el diablo y sin vocabulario para describirlo. En cuanto a los géneros, la novela tiene todo que ver con le paisaje gótico y con el yo, pero no como un yo romántico, sino más cientificista y estructurado.

La casa de Bernarda Alba

Este fragmento sucede en el acto segundo de la obra La casa de Bernarda Albaescrita por Federico García Lorca, luego de que La Poncia y Adela discuten sobre la exposición que decide hacer Adela con su cuerpo a horas de la madrugada frente a Pepe el Romano. El tema principal del fragmento es el de la tensión entre el deber y el deseo, entre la exterioridad y la interioridad, y entre la ley social y natural.

            El personaje de La Poncia cumple la función del coro griego, que le dice al héroe todo lo que pasa y se lo anticipa pero no puede hacer nada para evitar la tragedia. Ella quiere trabajar de empleada en una casa con honra. Poncia cuida la honra de su patrona y por eso trata de abrirle los ojos, pero ésta se niega a todo lo que le diga Poncia.

            Luego se encuentra Adela que es la más joven de todas las hermanas. Ella es la única que puede saciar su deseo de pasión reprimida ya que es la amante de Pepe el Romano.

            También se encuentra Martirio, que es resentida  la más envidiosa, sobre todo de Adela. Es la única que siempre se queda despierta hasta horas de la noche y que está pendiente de lo que pasa en cualquier momento del día.

            Finalmente, se encuentran Magdalena y Amelia que no tienen mucha participación e importancia en la trama, son personajes pasivos.

            En este extracto hay muchas tensiones que se desprenden de la lucha entre la autoridad y la libertad, por ejemplo la exterioridad – interioridad. La expresión de “Se oyen unos campanillos lejanos como a través de varios muros” se refiere a la imposibilidad y el límite que hay en esa casa, habla en forma metafórica. Por eso, en cada acto se da en escenarios más adentro que el anterior, van cerrando todo hay menos luz. Cada vez había menos posibilidades de ver al exterior y hay menos ventanas o las cierran. Las hermanas tienen el deseo de salir al exterior, un lugar donde haya luz, y no sentirse presas ni ser reprimidas y encerradas en la oscuridad:

“ADELA: ¡Ay, quién pudiera salir también a los campos!

 MAGDALENA: ¡Cada clase tiene que hacer lo suyo!”

            Las ventanas tienen un rol especial, ya que es lo que representa el afuera desde el interior y también es el lugar donde se comunican los amantes. Son el límite que permite la mirada de lo que nunca van a poder tener.

“ADELA: Vamos a verlos por la ventana de mi cuarto.

 PONCIA: Tened cuidado con no entreabrirla mucho, porque son capaces de dar un empujón para ver quién mira.”

            Por su parte, en este fragmento te demuestra que el objeto de deseo de las mujeres se encuentra en el exterior, por lo cual hay más interés en salir de esas cuatro paredes a lo externo.

“PONCIA: …Ayer de mañana llegaron los segadores. Cuarenta o cincuenta buenos mozos.”

            Por otra parte, se puede hablar de la ley natural – ley social, que trata de lo que la sociedad impone a las mujeres tener hijos una vez casadas o tener relaciones dentro del matrimonio. Si lo hacían con un hombre cualquiera o alguien a quien amaban pero sin casarse estaba muy mal visto.

“PONCIA: Hace años vino otra de éstas y yo misma di dinero a mi hijo mayor para que fuera. Los hombres necesitan estas cosas.

 ADELA: Se les perdona todo.

 AMELIA: Nacer mujer es el mayor castigo.

 MAGDALENA: Y nuestros ojos siquiera nos pertenecen.”

            Incluso en este fragmento aparece “una mujer vestida de lentejuelas y que bailaba con un acordeón”. Esta mujer representa a una prostituta, que es el rol social de darle la satisfacción que necesita el hombre. Esta clase de mujeres son el producto de la represión de la sexualidad femenina.

O también quién debe trabajar o de qué modo. Los hombres podían ser libres y trabajar en los campos mientras que las mujeres tienen el deber de cumplir con la realización de las tareas domésticas.

“MAGDALENA: Son los hombres que vuelven al trabajo.”

La honra era lo más importante en esa época, y lo que más le importaba a Bernarda, la honra externa.

Además de estas tensiones, aparecen varios símbolos en este extracto. El calor es uno. Las hermanas preferían ante todo, los meses lluviosos, fríos y hasta con escarcha. Esto se relaciona con la pasión y la sexualidad reprimida. A todas les gustaba Pepe Romano por la figura masculina que él representaba, y Adela es la única que planea hacer algo al respecto y que efectivamente lo hace. En esta situación no hay amor, sino deseo sexual y ella lo sabe. Por este motivo, hay mayor represión y mayor deseo de transgredir.

“AMELIA: ¿Qué te pasa?”

 MARTIRIO: Me sienta mal el calor.
 AMELIA: ¿No es más que eso?

 MARTIRIO: Estoy deseando que llegue noviembre, los días de lluvia, la escarcha, todo lo que no sea este verano interminable.”

            Otro símbolo es el de los colores. La obra se da en blanco y negro y en ciertas ocasiones aparece alguien con color o brillo, significando la alegría y el color correspondientes al afuera en contraposición con la blancura y luto del adentro. Por ejemplo, al estar todos de luto vestidos de negro, el vestido verde de Adela rompe con lo normal y al aparecer así, expresa la libertad.

            En conclusión, se podría decir que el final de la obra, todos los símbolos de las ventanas y el calor, y las tensiones que se desprenden de la misma, como la ley social – natural y la exterioridad – interioridad, representan de distintas maneras todos los conflictos que suceden a medida que va pasando la obra y las oposiciones ya mencionadas anteriormente.

El ser y lo que aparenta

            En la tragedia griega la sociedad es presentada no en un equilibrio estático, sino en un proceso de continua construcción y ajuste de la relación entre los individuos y las instituciones de su cultura. En esta situación, la tensión que se da entre la rigidez que impone la sociedad y la flexibilidad, se construye en base de un sistema de polaridades y oposiciones que luchan entre sí. Por ejemplo, la inversión de roles sexuales, la alteración de relaciones familiares y el uso de la lengua que lleva una inestabilidad del equilibrio y armonía.

            En ese trabajo se analizará el uso del lenguaje entre Medea y Jasón, Medea y Creonte, y Medea con el coro. Esta tragedia griega llamada Medea, lleva a cabo el uso de distintas máscaras y el lenguaje moderno que utiliza Medea al hablar del rol de la mujer.

            Durante toda la obra se puede ver a Medea utilizando un modo muy moderno del lenguaje, ya que critica la reindicación y discriminación de la mujer.

            En su conversación con Creonte, ella utiliza su lenguaje con argumentos para que la deje quedarse un día más antes de que la exilien. El primer argumento fue el sentimiento por su patria:

            - Creonte: “Hablas en balde; nunca conseguirás persuadirme”

- Medea: “¿Y me expulsarás de aquí desoyendo mis súplicas?“

- Creonte: “Sí, pues no te prefiero a mi familia”

- Medea: “¡Oh patria! ¡Cómo me acuerdo de ti ahora!”

- Creonte: “Fuera de mis hijos, también yo lo que más amo es mi ciudad”

Pero no logra convencerlo. Luego acude a su naturaleza paternal para que logre comprenderla con sus hijos y que no puede abandonarlos como hizo el padre:

“…pensaré dónde he de refugiarme con mis hijos, ya que su padre no se cuida de ellos”

            Por otro lado, en su primer encuentro con Jasón se muestra con una actitud en la cual no le interesa ni piensa en las consecuencias que podría llegar a tener diciendo esto. Medea insulta a Jasón con todos los calificativos negativos y le reprocha todo lo que ella hizo y sacrificó por él, por ejemplo, traicionar al padre y matar al hermano. En este encuentro no utiliza ninguna máscara social.

“...has hecho bien en venir, porque me consolaré maldiciéndote, y tú sufrirás oyéndome”

            Por otra parte, en su segundo encuentro, ella se presenta con una más social de una mujer arrepentida de todos sus actos y dichos, amable y temida por haber actuado de tal manera. Medea en esta conversación se encuentra en un papel muy humillante ya que le cuesta mucho encarnar ese papel. En esta escena, Medea termina llorando y de a poco logra convencer a Jasón como una mujer débil y sufrida:

“Te ruego, Jasón, que perdones mis anteriores palabras; justo es que disimules mi ira, ya que tanto te he servido”

            Finalmente, después de esta conversación que Medea pude tener con Jasón, se replantea si valdrá la pena vengarse o no, ya que no podría ver crecer a sus hijos y sufriría mucho la muerte de ellos. Aquí hay un desdoblamiento entre “Medea madre” y “Medea bruja”.

            En cuanto al coro, Medea tenía una relación de confianza con estas en la que no le hacia falta usar ningún tipo de máscara social y se mostraba tal cual era. Esto se debía a que el coro estaba integrado por todas mujeres, lo que es muy inusual en la tragedia griega, y la confianza que Medea pudo tener con estas. A partir de todas las cosas que le suceden a Medea, el coro opinaba y universalizaba eses problemas, como por ejemplo, la maternidad, el amor-pasión y la guerra. Medea logró ganarse al coro y que estas siempre estuvieran a favor de ella. Solo hubo una situación en la que estuvieron en desacuerdo con el pensamiento de Medea, que fue en el momento donde ella decide asesinar a sus propios hijos.

En conclusión, podemos afirmar claramente la teatralidad que utiliza Medea al verla con distintas máscaras sociales durante el drama. También se muestra con un lenguaje muy moderno desde el punto de vista de la problemática de género al hablar y cuestionar la maternidad y el hecho de ser mujer. 

            En el taller que se realizó, se trabajó en forma grupal con el objetivo de analizar ideas que ayuden a los empleados a pensar mejor y que esto se vuelque en su desempeño.

Como es sabido es una característica fundamental de la ciencia actual la búsqueda de diversas ideas sobre cómo pensar mejor. En los últimos años los científicos se han abocado al estudio de la mente y su funcionamiento a la hora de realizar procesos de pensamiento. Entre diversas opiniones pueden encontrarse similitudes y diferencias que contribuyen al objetivo en común.

Para empezar el científico Kevin Kelly hablo sobre la forma negativa en que se ve el error. Esta perspectiva sugiere que deberíamos aspirar a triunfar al mismo tiempo que nos preparamos a aprender de una serie de errores. Hoy en día, desde la niñez, se inculca que fallar lleva al fracaso. Un camino parecido sigue Roger Schank, ya que critica la educación con respecto a la experimentación. Cada aspecto de la vida es un experimento, por lo que el término no solo se refiere a la ciencia. Si en las escuelas se enseñaran conceptos cognitivos básicos como la experimentación en el contexto de las experiencias cotidianas, las personas serían más eficaces a la hora de decidir sobre la educación de sus hijos y demás aspectos de su vida diaria.

Por otro lado, Federico Kukso afirma que desde el inicio de nuestra historia, las herramientas nos dominan. Creemos que, como las diseñamos y las fabricamos en masa, somos nosotros quienes tenemos el mando, cuando estos artefactos y extensiones de nuestros cuerpos instalan hábitos mentales y marcan nuestra época. Lo mismo aplica Douglas Rushkoff cuando explica que nuestra incapacidad generalizada para reconocer el sesgo de las tecnologías que utilizamos nos hace incapaces de desarrollar cualquier tipo de control sobre ellas. Si el concepto de que las tecnologías tienen sesgos se convirtiera en conocimiento común, podríamos entonces empezar realmente a usarlas conscientemente. En cambio, si este concepto no se generaliza, nuestras tecnologías y sus efectos continuarán confundiéndonos.

Por último, Matt Ridley nos comunica que el éxito humano es un fenómeno de redes y no una cuestión individual. Históricamente se vieron obligados a poner en práctica sus cerebros a trabajar en conjunto, a través de la división del trabajo, el comercio y la especialización. El éxito humano está basado en la inteligencia colectiva. Una idea similar tiene el científico Clifford Pickover, quien nos demuestra que el reconocimiento es para aquel que logra transmitir la idea a la comunidad científica  y no para quien se le ocurre una idea primero. Si esto se enseñara en las escuelas los innovadores podrían disfrutar más del fruto de su trabajo y no perderían el tiempo adelantándose o derribando a sus rivales.

Así como estos avances científicos se convirtieron en materia de preocupación para las empresas yo creo que se debería incorporar en el sistema educativo ya que en mi opinión ha quedado viejo e ineficaz para la sociedad de hoy en día. Si queremos mejorar nuestra calidad de vida es indispensable saber adaptarnos a un mundo nuevo y en constante cambio, y para ello deberíamos incorporar estas ideas innovadoras en la educación que recibimos dado que es esta la que nos provee las herramientas para insertarnos en la sociedad.